sábado, 30 de mayo de 2009

TONIGHT´S THE NIGHT

Hoy no hay ningún tipo de consideración, es el día de Neil Young para los que vivimos en Barcelona. Tras más de veinte años sin aparecer por la ciudad condal (si la memoria no me falla) el tío Neil volverá a colmarnos de felicidad. Lástima que el marco no sea el más adecuado, el gafapastil primevera sound. Un festival que salvo honrosas excepciones está basado en la modernidad más vacía, resumiendo, un escaparate de toda la basura que ensalza Rockdelux. No le demos más vueltas, hoy veremos a Neil Young y eso es lo que cuenta, y además como primer plato también se podrá disfrutar de la reunión de Gary Louris y Mark Olson oséase The Jayhawks. A disfrutar que ya queda pocas horas para el evento.

viernes, 29 de mayo de 2009

FIRA DEL DISC DE SANTS MAYO 2009


A partir de hoy y hasta el domingo 31 tiene lugar en el barcelonés barrio de Sants (concretamente en las famosas cocheras) una edición más de la fira del disc. La última se celebró el pasado mes de enero, y sin ser la bomba se pudo encontrar buen material y a precios correctos. Curiosamente desde el auge de las descargas ilegales las ferias del disco se han encontrado con un bajón de asistentes, cosa que no llego a comprender ya que el personal que las frecuenta acostumbran a ser coleccionistas o compradores compulsivos que no encajan en el perfil de descargador de archivos de internet. En definitiva tres días para rebuscar en cubetas y encontrar esa joyita que nunca sabes cuando te saltará a las manos. En estos momentos todavía no dispongo de los horarios pero me imagino que serán como las de la última edición:

viernes de 15.00 h a 21.00 h

sábado de 10.00 h a 21.00 h

domingo de 11.00 h a 21.00 h

jueves, 28 de mayo de 2009

BIG NOIZE – BARCELONA, 26 DE MAYO DE 2.009







Aquí les dejamos algunas modestas instantáneas tomadas el pasado martes durante el concierto de Big Noize en Barcelona. Este all-star living juke box de veteranos de la escena hard rock (Joe Lynn Turner, Phil Soussan, Carlos Cavazo y Simon Wright, con Eric Norlander como efectivo teclista invitado) consiguió su cometido durante las casi dos horas que estuvo sobre el escenario de una discretamente poblada sala Luz de Gas. Seguramente los primeros 60 minutos fueron los más emocionantes de la velada, con recuperaciones de clásicos de los 80 como ‘Mob Rules’, ‘Crazy Train’, ‘Shot In The Dark’, ‘Stone Cold’, ‘Street Of Dreams’ o ‘Rainbow In The Dark’... A partir de ahí, la cosa decayó ligeramente a base de solos de bajo, inacabables interacciones con el público, y versiones menos adecuadas (‘Back In Black’, ‘Smoke On The Water’, ‘Highway Star’, ‘Long Live Rock And Roll...) Independientemente de lo que cada uno piense sobre este tipo de (intrascendentes) proyectos, lo cierto es que los cuatro tipos que teníamos delante son historia viva del rock, supervivientes de una era en la que reinaron a lo grande. Entre todos han despachado a lo largo de los años varios millones de discos y han realizado innumerables conciertos, muchos de ellos de imborrable recuerdo en nuestras mentes gracias a perjudicadas copias Beta o VHS. Soussan con el Ozzy de The Ultimate Sin, Cavazo con los Quiet Riot de Metal Health o Condition Critical, Wright gracias a Fly On The Wall o Blow Up Your Video, y Turner mediante sus tres discos con Rainbow (del Slaves And Masters de Purple, incomprensiblemente sigue sin tocar nada...). Nadie puede impedirles reivindicar un legado que se han trabajado a base de esfuerzo y talento, un talento que conservan intacto 25 años después de sus años de gloria. Que vuelvan siempre que quieran.

THE STOOGES: ¿VUELVE JAMES WILLIAMSON?


Se dice, se cuenta, se rumorea...que Iggy Pop va a llamar a filas a James Williamson para sustituir al malogrado Ron Asheton. Lo cierto es que analizado con detenimiento es la única salida potable que le queda al bueno de Iggy para seguir exprimiendo el invento. Si se realizara la gira estaría basada obviamente en "Raw Power", un álbum que desde el retorno de The Stooges ha sido prácticamente ignorado con la excusa de que en el pasado fue foco de fricciones entre la iguana y los hermanos Asheton. Finalmente no se que sucederá pero me parece un poco triste que Iggy siga queriendo exprimir un invento que está más que finiquitado. Con la muerte de Ron Asheton se cerró un ciclo que ha durado demasiado pero parece que Iggy ya muy lejos de su ética "punk" no quiere verlo o no le apetece renunciar a los ingresos que aún puede proporcionar la etiqueta Stooge. Al menos parece que la surrealista idea de incluir a Steve Jones en el combo ha quedado momentaneamente descartada.

miércoles, 27 de mayo de 2009

HARDLINE - LEAVING THE END OPEN


Si hay algo por lo que se caracteriza la trayectoria de la escena melódica en los últimos años, es por una irregularidad que echa de espaldas. Lejos quedaron los años en que aparecían con pocos meses de diferencia discos como Escape, 4, Paradise Theatre o Hi Infidelity, por poner cuatro de los ejemplos más obvios. Está claro que el A.O.R. no pasa por su mejor momento, más aún cuando los mejores álbumes del género editados en los últimos años llevan la firma de los mismos que encumbraron el estilo a los primeros puestos de las listas hace más de un cuarto de siglo. Vamos, que de no ser por los últimos y brillantes discos que nos han ofrecido Journey, Jim Peterik o Jimi Jamison, y tuviéramos que fiarnos de las nuevas generaciones, la cosa estaría negra, muy negra. Por suerte, siempre nos quedarán momentos de inspiración aislados como el que nos ocupa, el tercer disco de los norteamericanos Hardline. Su primer disco (Double Eclipse, 1.992) con Neal Schon a la guitarra, no lo olvidemos, se considera todo un clásico del Hard Rock Melódico. Temas como Rhythm From A Red Car, Hot Cherie o Change Of Heart no se componen todos los días, de hecho, la calidad de ese primer disco hizo que de alguna manera se resintiera su sucesor editado diez años más tarde, ya sin el pequeño guitarrista, y con Josh Ramos como digno sucesor. Han tenido que pasar siete años más para que la banda de Johnny Gioeli (vocalista, y único miembro original del grupo) nos sorprenda con un discazo, uno de los trabajos destacados de lo que llevamos de este 2.009. Con gran riesgo de ser tachado de sacrílego, puedo afirmar sin que me tiemblen las teclas, que el nivel compositivo de este Leaving The End Open está ligeramente por encima del debut de la banda. Canciones súmamente elaboradas con multitud de detalles a descubrir como la inicial y casi progresiva 'Voices', se codean con baladas brillantes y adictivas como 'Start Again'. 'Bittersweet' es la gran joya de la corona, una de las canciones del año, con una interpretación magistral a la guitarra por parte Ramos. En 'In This Moment' nos encontramos al mejor Gioeli que podamos imaginar, con su potente voz equilibrando a la perfección melodía, fuerza y pasión. Por cierto, no puedo dejar de pensar que el vocalista me recuerda cada día más al Robin McAuley de Perfect Timing o Save Yourself, lo que aún no sé si es positivo o no. El cantante quizás debería concentrar sus esfuerzos en grabar discos de la calidad de este Leaving The End Open antes de perder su tiempo -y nuestra paciencia- en los plomizos trabajos que edita regularmente con el guitarrista alemán Axel Rudy Pell. De esta manera el mundo del rock melódico ganaría a un tipo con talento a jornada completa, que buena falta le hace. Uno de los discos del año (con permiso de Sammy y sus Chickenfoot).

martes, 26 de mayo de 2009

CLAU-CLAU-CLAUDIO



Las series de televisión están de moda, todas las parrillas catódicas tienen su serie estrella y son tema de conversación común, incluso alguna de ellas se ha convertido en todo un fenómeno social. ¿Mi modesta opinión? paso bastante de todas ellas, no digo que no sean dignas, simplemente no me llaman la atención. De los últimos años sólo he disfrutado con "Weeds", una vuelta de tuerca al concepto de mujeres desesperadas con toneladas de incorrección política y mucha mala hostia, y con "Los Soprano" pero Tony y los suyos son un ente tan aparte que el concepto serie se les queda pequeño. Todo esto viene a cuento porqué me apetece recuperar una de las mejores series de la historia; "Yo Claudio". Adaptación televisiva de los fenomenales libros de Robert Graves sobre la vida del emperador romano Claudio. Un guión sólido como una roca muy basado en maneras teatrales y unos actores herederos de la mejor tradición interpretativa británica.Entre otros Derek Jacobi como el tullido y tartaja Claudio, Brian Blessed como el Augusto mas expresivo de la historia, Sian Phillips en el rol de la perversa Livia, y la joya del imperio; el inconmensurable John Hurt interpretando con muchísima credibilidad a un Calígula pasadísimo de vueltas. Un festín para los sentidos que no pierde su vigencia y que sigue dando sopas con honda a la mayoría de folletines que intentan colarnos como lo más. La serie consta sólo de trece capítulos pero todos de una intensidad fuera de lo común. Los que no conozcáis esta obra imprescindible deciros que se encuentra a buen precio ya que no es algo que cotice muy alto entre las nuevas generaciones que parece que andan un poco "Perdidos".

lunes, 25 de mayo de 2009

Clásicos por clásicos

Es lunes y, después de un tiempo sin escribir sobre ¿la mayor? de mis aficiones, me decido a coger una birra y sentarme ante el PC. ¡¡Horror!!: la farra del finde ha dejado mi nevera sin una gota de zumito de cebada. Pues me centraré en la música. En la música de los clásicos del rock que han versionado a otros clásicos. No pretendo hacer un listado más o menos completo sino introducir una serie de nombres y de canciones que sirvan de punto de partida para debatir…o incluso para descubrir y redescubrir.
Voy a dejar de lado las innumerables versiones que se han hecho de los Beatles porque no es cuestión de llenar páginas y páginas hasta dejar sin capacidad operativa a la red de redes.

Sin contar a los de Liverpool, la primera que me viene a la cabeza es “I shot the sheriff” (Eric Clapton dando su visión del tema de Bob Marley), quizás porque es uno de los momentos cumbre de la carrera del genial Clapton, uno de mis guitarristas favoritos, al menos hasta finales de los 70. Aunque yo siempre me quejé del excesivo número de piezas no firmadas por él que incluía en sus discos, hay que reconocer que las bordaba. Como “Cocaine” (escrita por J.J.Cale), ésta de menor mérito porque es prácticamnete una fotocopia del original.

¿Y qué decir de “Mr. Tambourine man” de Bob Dylan?. Pues que la revisión hecha por The Byrds supera a la del cantautor con creces, y no sólo a nivel de éxito popular.

También Deep Purple superó claramente a sus predecesores con las covers incluídas en su “Book of Taliesyn”. Sí, sí…ese disco de la época perdida de los Purple, esa primera trilogía que gusta más a los amantes del progresivo que a los del hard rock. Me refiero a “Kentucky woman” (Neil Diamond) y “River deep, mountain high” (Ike & Tina Turner).

Cambio de tercio: unos que no superan la original no porque lo hagan mal sino porque la genuina es insuperable son The Sweet con “My generation” de los Who. Y la incluyo aquí porque son una canción y dos bandas que me encantan. ¿Alguna objección?.

Pues sigo. Ahora pasan por mi mente progresiva no ya piezas sueltas de otros rockeros sino grandes obras de música clásica al completo. Los dos ejemplos más claros, “Pictures at exhibition” (Emerson, Lake & Palmer revisitando a Modest Mussorgsky) y “Ciclos” (Canarios rediseñando de arriba abajo “Las cuatro estaciones” de Vivaldi en un trabajo de un mérito y originalidad dignos de mención. Quien todavía no lo haya descubierto, aún está a tiempo).

Alargo el brazo hacia el estante de hard rock y lo primero que encuentro son los Scorpions. Pues también han cantado temas de otros. El “Dust in the wind” de Kansas sin ir más lejos, aunque no se metieron en el estudio para eso, sólo la cantaron en directo y la incluyeron en su álbum “Acoustica”. Un divertimento, vamos.

Un poco más a la derecha en mi estantería veo los CD’s de Judas Priest e inmediatamente pienso en el “Diamonds and rust” de Joan Baez. ¡¡Toma versión elevada a la máxima potencia ¡!. Es como si la pastelosa Baez hubiese acompañado al bueno de Obélix en su baño en el caldero de la pócima mágica.

Y no continuo porque así quedará material para innumerables secuelas. ¿A que suena a amenaza?, Ja ja ja…se lo que hicísteis el último concierto…

domingo, 24 de mayo de 2009

BIG NOIZE EN DIRECTO

Este próximo martes en la barcelonesa y acogedora sala Luz de Gas tendremos en directo al nuevo proyecto de Joe Lynn Turner; la banda de versiones Big Noize. Aparte del amigo Turner en esta aventura le acompañan Carlos Cavazo (Quiet Riot), Phil Soussan (Ozzy Osbourne), Simon Wright (AC/DC, Dio) y Eric Norlander (Lana Lane). En el escenario se dedicarán a desgranar temas de las aventuras anteriores de cada componente y versiones selectas de hard y rock clásicos. Desde luego que nada nuevo no nos aportarán, pero estoy convencido que será una velada más que entretenida y llena de buenas vibraciones. Y desde luego será curioso ver como el bocazas Joe Lynn Turner se mete en la piel de Ronnie James Dio y demás ilustres del hard rock.



viernes, 22 de mayo de 2009

FAITH NO MORE – 20 ANIVERSARIO DE ‘THE REAL THING’



Hace pocos días, tras conocer la noticia de la reunión de Faith No More para algunas actuaciones en festivales veraniegos con posibilidad de prórroga, sentí la necesidad de recuperar The Real Thing, su disco más popular, un trabajo que tenía olvidado desde hacía largos meses. Mi sorpresa al comprobar su fecha de edición fue mayúscula: “Copyright 1.989 Slash Records”, 20 años desde su edición!!! Mi subconsciente me traicionó y me llevó a relacionar directamente con la década de los 90 a la banda de Mike Patton. Seguramente los 90 fueron su década de mayor popularidad (sin duda gracias al mastodóntico Angel Dust), pero lo cierto es que, aunque alejados totalmente de la escena metálica en la que se les encasilló-muy a su pesar- más tarde, comenzaron su carrera a mediados de los 80 con Chuck Mosley como vocalista y con las impagables pintas pseudo new wave que lucían en álbumes como ‘Introduce Yourself’ o ‘We Care A Lot’. Gran asignatura pendiente la de descubrir esos trabajos pretéritos, uno siempre fue de Faith No More con Mike Patton, qué le vamos a hacer. Prometo hacer los deberes...
Los años han pasado volando desde que adquirí mi copia en vinilo de The Real Thing en el momento de su edición, abducido en gran parte por las maravillas que contaban sobre el disco desde las páginas de la edición británica de Kerrang! Más tarde lo compré en Cd, si no recuerdo mal, por culpa del bonus track, una versión del War Pigs de Black Sabbath realizada en una época en que reivindicar a Iommi y compañía no tenía nada de cool. De hecho, en 1.989 la formación de Sabbath –promocionando Headless Cross- no pasaba por su mayor momento de popularidad y se tenía que conformar con actuar en clubs y pequeños pabellones por Europa, los EEUU les habían dado la espalda por completo, reivindicarlos entonces era lo más inusual del mundo. La brillantez que emanaba de los surcos de The Real Thing llevó a FNM a ser considerados una de las bandas más influyentes de los 90, posiblemente la que a mayor número de grupos marcó a posterioridad, bandas que años más tarde vendieron muchísimos más discos que ellos mismos. Panolis como Limp Bizkit, los algo más aceptables Incubus, o los aún mediáticos, aunque terriblemente aburridos Korn, deben muchísimo al quinteto Patton-Martin-Bottum-Gould-Bordin, eso es un hecho del que seguramente se va a hablar muchísimo durante los días previos a los shows de reunión. Una reunión que, al igual que sucedió con la de Van Halen recientemente al obviar a Michael Anthony, se ha quedado ligeramente a medias al no incluir al guitarrista Jim Martin, posiblemente por voluntad propia del barbudo guitarrista, más interesado en seguir disfrutando de su retiro que en volver a meterse en un tour bus. Volviendo al contenido de The Real Thing, poco podemos decir aquí que no se haya comentado miles de veces. Estamos hablando de uno de esos discos perfectos en el que todas y cada una de sus 9 canciones tenían igual importancia dentro del contexto general de la obra. En el disco había de todo y para todos los gustos, desde el inmejorable inicio con la tripleta ‘From Out Of Nowhere’, ‘Epic’ y ‘Falling To Pieces’ (la cara amable de la banda, los singles extraídos para deleite del personal de su compañía discográfica, y para mosqueo de un Patton que prefería mostrar al público su faceta más agresiva), hasta la vertiente más metálica de ‘Surprise! You’re Dead’, con unos monumentales riffs salidos de la escuela Hanneman-King, y con un Patton mostrándonos tan sólo la punta del iceberg de un histrionismo mucho más visible en años venideros. El pop de ‘Underwater Love’ o la deliciosa ‘The Morning After’ (esta pieza me llegó a obsesionar en su momento, era algo adictivo ante lo que no podía hacer nada, tenía que oírla al menos cinco o seis veces al día!!), se codeaba sin problema con los momentos semi psicodélicos del tema título o de ‘Zombie Eaters’, una de las piezas más imaginativas de su repertorio. El disco se cerraba a la antigua usanza con ‘Woodpecker From Mars’, una instrumental delirante con el bajo de Bill Gould dominando el cotarro de forma descarada y acompañando a un excéntrico riff cortesía de los teclados del simpático Bottum. En definitiva, estamos hablando del cumpleaños de una de las obras cumbre de los 80, una década que, con toda seguridad, recordaremos gracias a grupos totalmente distintos en concepto a FNM. Bandas que desaparecieron del mapa gradualmente a causa en gran parte por la revolución provocada por los mismos FNM y otros adalides de los 90. Esa es otra historia, hoy tan sólo disfrutemos de la excelente música de The Real Thing. Es difícil encontrar en la actualidad obras tan completas como la que nos ocupa, no digamos ya a bandas que revolucionen el panorama como ellos lo hicieron hace dos largas décadas. Welcome back, se les echaba de menos.

ACADEMIA DE IDIOMAS KLAUS MEINE

Desde luego no concibo mi existencia sin la compañía de los Scorpions. Primero como banda grande donde las haya, una carrera impecable desde sus inicios hasta 1990, pero también como combo con faceta jocosa y políglota. Parece ser que una de las pasiones frustradas del bueno de Klaus Meine es el aprender idiomas y se dedicó a entonar su gran hit "Wind Of Change" en todos las lenguas posibles, incluso hubo una versión en chino. Pues a mediados de los noventa le dio por atacar con esta tonada en la lengua de Cervantes de la cual desconozco su origen. Con un texto digno del sonrisa salvaje de David Lee Roth el gran klaus se atreve con frases como ¿el morro de los negros?, escuchad con atención que lo dice. Para los más interesados comentar que este tema se encuentra en el directo "Live Bites", un buen álbum que recoge los últimos momentos de gloria de los teutones.

jueves, 21 de mayo de 2009

RUTA 66 JUNIO 2009


En pocos días podréis encontrar en todos los kioscos el nuevo número de la revista Ruta 66, con merecidísima portada para John Fogerty para celebrar su primera visita a España en toda su carrera. También tienen su espacio grandes artistas americanos como Chris Isaak o Waylon Jennings. En definitiva otro buen número con todas sus correspondientes secciones y buen criterio. A disfrutarlo.

martes, 19 de mayo de 2009

ESQUELETOS Y CALAVERAS, S.A.



En nuestra incansable ruta por el museo de las peores portadas de la historia del Rock, tenemos que hacer una doble parada de visita obligada. Como pueden comprobar por el contenido de algunos de mis posts, Black Sabbath son una de mis bandas de cabecera, lo cual no impide que pueda censurar el pésimo gusto que reinó en dos de sus obras de los años 90. Por un lado, la infumable cubierta del excelente Dehumanizer, el disco de la primera reunión de la formación de Mob Rules en 1.992. Grandes canciones presentadas de la peor manera posible, con una ilustración indigna de los creadores de tanta música intocable. Estamos hablando de Black Sabbath, no de una banda de heavy metal de tres al cuarto!! De la portada de Forbidden (1.995) mejor ni hablamos. Tan sólo decir que en este caso, el contenido –el peor disco de Black Sabbath con diferencia, indigno de llevar impreso el nombre del tridente Iommi-Powell-Murray- sí estaba en concordancia con el exterior. Se la mostramos en su versión (casi) completa, con las caricaturas de los implicados presidiendo la función. Ice T incluido (horror!!!).

lunes, 18 de mayo de 2009

ELVIS – CLOSING NIGHT, LIVE AT LAS VEGAS HILTON - 3 DE SEPTIEMBRE DE 1.973


Para que no quede ninguna duda sobre la intencionalidad de este post, me gustaría constatar que para el que suscribe, Elvis Presley es el artista más grande que ha dado la música popular en los últimos cien años. No hay posible discusión al respecto. Una vez clara mi posición al respecto, y desterrada cualquier intención oculta por mi parte, procedamos a juntar unas cuantas líneas sobre un lamentable episodio en la carrera del Rey, un concierto que posiblemente no debía haber visto nunca la luz. O quizás sí, y gracias a su publicación oficial podemos llegar a comprender mejor el calvario que vivió el intérprete de ‘That’s All Right’ en los últimos años de su existencia. Grabado tan sólo 8 meses después del triunfal Aloha From Hawaii Via Satellite, -en el que Elvis se presentó al mundo en un excepcional estado de forma-, el show que encontramos en Closing Night representa sin duda el momento más bajo jamás publicado de forma oficial por RCA-BMG (en este caso, por el sello subsidiario Follow That Dream, dedicado a las rarezas, conciertos, y en general, a material dirigido al coleccionista más empedernido). A lo largo de los 77 minutos del concierto (grabado en el Hotel Hilton de Las Vegas, el 3 de Septiembre de 1.973), podemos escuchar a un Elvis claramente fuera de sí, tan sólo preocupado por hacer chistes fáciles y de dudoso gusto, para nada concentrado en ofrecer un espectáculo mínimamente decente. En esta ocasión, su intachable profesionalidad (que no su voz, impecable como siempre) quedó notoriamente puesta en evidencia, sin duda a causa de alguna medicación extra y poco adecuada para ingerir en según qué cantidades. Teniendo en cuenta que El Rey hizo su entrada sobre el escenario del Hilton montado en la espalda de Lamar Fike -uno de los miembros de la Memphis Mafia-, y con un mono de peluche adosado a su hombro, podemos imaginar cómo se desarrolló el esperpéntico show. Hay muchos momentos delirantes a lo largo de la grabación, así que quizás será mucho mejor detallarlos. Les aconsejamos que no pierdan detalle:

-Durante ‘You Gave Me A Mountain’ Elvis se quejó públicamente, y de forma poco disimulada de la mala calidad del sonido que estaba ofreciendo el equipo del Hotel Hilton (“The sound system in this hotel ain’t worth a damn”, algo así como “El equipo de sonido de este hotel no vale una mierda”).

-A ‘Love Me Tender’ le cambió la letra, con lo que el clásico de 1.956 ganó estas nuevas y delirantes frases: “Love me tender, love me dear, tell me you are mine. I will help you all I can, cause I know you’re blind”. (Ámame tiernamente, ámame querida, dime que eres mía. Te ayudaré todo lo que pueda, porque sé que eres ciega”)

-Similar tratamiento sufrió la sensual ‘Fever’. En esta ocasión usó como dianas de su dudoso humor a dos de los componentes de su acompañamiento vocal: “Myrna Smith and J.D. Sumner had a very mad affair, when their wives and husbands caught ‘em you saw nothin’ but teeth and hair”. (“Myrna Smith y J.D. Sumner tuvieron un romance muy alocado, cuando sus esposas y maridos les pillaron, tan sólo podías ver dientes y pelo”, sin duda una referencia bastante irrespetuosa al aspecto físico de la excelente vocalista de The Sweet Inspirations)

-Se dedicó a cantar la totalidad de ‘What Now My Love’ echado sobre una cama de matrimonio (¿?) que hizo colocar sobre el escenario especialmente para la ocasión.

-Cuando la banda comienza a interpretar ‘Suspicious Minds’, no se le ocurre otra cosa que cantar gran parte de la letra de ‘Bridge Over Troubled Waters’, continuando con la broma durante buena parte de la canción ante la sorpresa de los miembros de sus grupos vocales, que insistían con la letra de ‘Suspicious...”. Sin duda, el momento más surrealista de la historia grabada de Presley.

-En el momento en que parece que va a interpretar de forma seria ‘Bridge...’, le da por cambiar de nuevo la letra: “When you’re weary, feeling bald, when tears are in your ears...” (“Cuando estás fatigado, te sientes calvo, cuando las lágrimas están en tus orejas...”) ¿?

-‘Suspicious…’ gana una nueva frase: “Cause honey, you know how I hate this damn song, I really do...”. (“Porque cariño, tú sabes cómo odio esta maldita canción, de verdad que la odio...”)

-Al parecer, el hotel Hilton se encontraba en ese momento en medio de una regulación de trabajadores. Llegó a los oídos de Elvis que iban a despedir a Mario, uno de sus empleados favoritos, así que tuvo que decir algo al respecto: “No disrespect, I just want to wake up Conrad (Hilton) and tell him about Mario’s job, that’s all”. (“No quiero ser irrespetuoso, tan sólo me gustaría despertar a Conrad y contarle lo del trabajo de Mario, eso es todo”)

-Al presentar ‘My Boy’, olvida el nombre de Richard Harris, el intérprete original del tema, y se refiere a él como “what’s his name” (“como quiera que se llame”).

De todos es sabido que el Elvis de la década de los 70 nos deparó algunos momentos similares a los relatados, no es para nada sorprendente su actitud sobre el escenario. Lo que hace especial al concierto que podemos escuchar en Closing Night es que, en esta ocasión, nuestro hombre concentró en poco más de una hora todo su repertorio de bromas de mal gusto. Recomendamos la escucha de la grabación una vez, aunque sea para constatar su existencia. A continuación, lo más adecuado sería archivar el CD de forma definitiva y recordar al Rey gracias a shows mucho más coherentes e incendiarios como los ofrecidos en el Madison Square Garden de NYC de Junio de 1.972, o los ya mencionados conciertos en Hawaii de principios del 73. Ese es precisamente el Elvis que todos queremos recordar. Un artista absoluto que, aún a día de hoy, no ha encontrado a nadie que ponga en peligro su supremacía.

sábado, 16 de mayo de 2009

QUE ALGUIEN LLAME A SEGURIDAD...


...y encierre a perpetuidad al responsable de este impune crimen. Como pueden comprobar, en Soul Movers seguimos con nuestro empeño de poner en evidencia algunas de las más desastrosas portadas de la historia. Desconozco la calidad del contenido del No Security de los Rolling Stones, no soy lo que se dice un erudito en la música de la banda de Mick Jagger y compañía, pero el hecho es que la foto elegida para ilustrar la cubierta es de lo más cutre que uno se ha echado a la cara. Por supuesto, no voy a poner en duda (y menos en este blog, en el que pululan defensores a ultranza de los Stones...) la música de la banda, pero en este caso, sí cuestionamos el talento de su equipo de marketing. Cutre, cutre...

BLACK SABBATH – CUATRO DÉCADAS ENTRE EL CIELO Y EL INFIERNO.


A finales del año pasado se puso a la venta ‘Cuatro Décadas Entre El Cielo Y El Infierno’ (Quarentena Ediciones), la primera biografía de Black Sabbath escrita en nuestro país. Su autor, Miguel.Asturias, -responsable de la recomendable web www.metal80.com-, es toda una eminencia en la materia, así que uno puede estar tranquilo a la hora de adquirir el volumen con toda tranquilidad. Rigor, crítica objetiva y pasión, son las tres características principales de las 400 páginas de un libro que tan sólo por su excelente apariencia externa (una atractiva adaptación de la portada de Master Of Reality), merece la pena agenciarse. El contenido es aún mejor, y tal y como indica su título, abarca todas la etapas de la banda, comenzando por los años clásicos con Ozzy Osbourne, hasta la actual reunión con Ronnie Dio como Heaven And Hell. A los hechos históricos acaecidos en el seno de la banda, Miguel añade los datos biográficos de cada uno de los miembros que han ido entrando y saliendo del grupo, y os aseguro que no han sido pocos. Desde Ian Gillan hasta Cozy Powell, de Bev Bevan a Glenn Hughes, pasando por los fantasmagóricos Dave Donato y Jeff Fenholt, o los breves Terry Chimes y Jo Burt. Especialmente excitante, por desconocida, resulta la lectura de las páginas dedicadas a los años en que Iommi luchó por mantener la banda a flote contra viento y marea, los años de la gira de Seventh Star, de la accidentada grabación de The Eternal Idol, del paso por el grupo del malogrado Ray Gillen, de la huída de Eric Singer y Dave Spitz a causa del impago de sus respectivas nóminas... En fin, ‘Cuatro Décadas Entre El Cielo Y El Infierno’ es una auténtica bendición para todo seguidor de la carrera de Iommi que quiera saber (mucho) más sobre la trayectoria de una de las cinco bandas más influyentes de todos los tiempos. El libro incluye la discografía oficial de la banda extensamente comentada, una selección de los bootlegs más recomendables, los álbumes-tributo más acertados, así como una guía de los discos grabados por el personal que ha pasado por el grupo antes, o una vez fuera de él. En la parte gráfica, encontramos 32 páginas en blanco y negro con una selección de fotografías de todas las etapas del grupo, una muestra de las diferentes portadas de singles editados en diferentes países del mundo, algunos Tour Books, revistas con Sabbath en la portada.... Todo un placer para los sentidos que ha pasado totalmente desapercibido para algunas de las principales publicaciones musicales del país (tan sólo recuerdo haber leído la reseña en Ruta 66). Y es que uno no puede comprender cómo revistas tan afines a Sabbath no hayan ni mencionado la edición del libro en sus páginas. Me gustaría creer que no existen motivos ocultos detrás de estos 'descuidos', pero el hecho de conocer bastante bien el funcionamiento interno de estas publicaciones, me lleva a pensar en lo contrario. Por suerte, las horas de placer que proporciona la lectura de ‘Black Sabbath - Cuatro Décadas Entre El Cielo Y El Infierno’, hacen que uno se olvide de temas extra musicales para focalizar nuestros sentidos en lo verdaderamente importante: los grandes momentos que nos ha dado Black Sabbath a lo largo de los años, que, créanme, no han sido pocos.

viernes, 15 de mayo de 2009

NEIL YOUNG "FORK IN THE ROAD"


Faltan menos de quince días para que Neil Young actúe en Barcelona, la gran fecha se acerca y aprovechando la buena nueva aprovecho para dar en en este post mi modesta opinión sobre su último trabajo de estudio; "Fork In The Road". Tanto en prensa escrita como en la red se han leído comentarios de lo más diverso; que si es muy flojo, que si Neil ha entregado una nueva obra maestra...Pues servidor se va a quedar en un término medio, el disco me ha gustado bastante pero dista mucho de ser "Everybody Knows This Is Nowhere", "Rust Never Sleeps" o más recientemente "Greendale". Se trata de una buena colección de canciones, con el sello clásico del maestro tanto en los momentos más movidos como en los más sosegados que se dejan escuchar muy bien. Funciona como conjunto pero por separado no veo estos temas como inevitables en sus futuros repertorios aunque "Get Behind The Wheel" o "Just Singing a Song" son tonadas más que notables. En definitiva un aprobado con buena nota pero si llegar a notable, de todas maneras me siento más que contento que Neil Young a su edad y pasados lo problemas de salud que ha padecido sea capaz de entregar productos tan válidos como este y que siga subiéndose a los escenarios de medio mundo.
En otro orden de cosas aprovecho el post para comunicar que me marcho unos días de vacaciones, en consecuencia mis reflexiones estarán unos días ausentes de este espacio, a la vuelta más y mejor.

jueves, 14 de mayo de 2009

CLASSIC ROCK MAYO 2009


Tras unos meses de problemas de distribución parece que Led Zeppelin monthly, perdón quería decir Classic Rock Magazine, volverá a encontrarse con regularidad en los kioscos especializados en prensa foránea. Y tras este paréntesis parece que las cosas no han cambiado, este mes el artículo de portada es un listado sobre los mejores cincuenta cantantes de rock y tenemos a Robert Plant en portada, aunque echando un vistazo al interior al menos no le han colocado como el número uno, pero si en la tercera posición. Vamos a ver, el Sr. Plant es un excelente vocalista también sobredimensionado por el mito Zeppelin pero hay personajes en este listado que han quedado detrás de él y no es de recibo. ¿Realmente es mejor vocalista Robert Plant que Steve Marriot, Rod Stewart, Ian Gillan, Janis Joplin, Steve Perry, Roger Daltrey, David Coverdale, Ann Wilson o Glenn Hughes? La respuesta es no. Y esto no es una pataleta, simplemente volveros a escuchar el directo "The Song Remains The Same" y os daréis cuenta que el hombre lo hace bien pero no llega ni de lejos al nivel mostrado por los vocalistas mencionados arriba. Y otra cosa, había un cantante que cantaba Rock & Roll y no se le daba nada mal, su nombre era Elvis Presley y no aparece en la lista. Esto no es ningún ataque personal a Led Zeppelin, amo a esta banda pero las cosas en su sitio. Por lo demás la revista en su excelente onda con artículos sobre Journey, entrevistas a Rick Wakeman, Marianne Faithfull y montones de de reseñas y noticias. A disfrutarla ahora que parece que se puede encontrar de nuevo. Ah!, como siempre de regalo un CD o DVD, esta vez es un sampler CD de la discográfica Powerage, creada por la misma revista para dar salida a nuevas bandas que lleven el buen rock por bandera.

miércoles, 13 de mayo de 2009

QUEEN + PAUL RODGERS LO DEJAN


Lo dijeron el otro día en una entrevista para VH1:

“Hemos hecho una gira mundial, hemos hecho una segunda gira por Europa y el Extremo Oriente y la Europa Oriental, y hemos hecho un álbum y pienso que somos de los que lo dejan con delicadeza”.

No está mal. Con delicadeza dicen. No dicen nada de las bajas ventas del discreto -aún nada abominable- "The Cosmos Rocks" o del bajonazo de espectadores en la gira de presentación del álbum en cuestion (para la primera les fue bastante bien)... Dejarlo 'con delicadeza' hubiera sido no seguir sacando partido al cadáver después de la muerte de Mercury, como bien hizo el salado de John Deacon.

Otros que muerden el polvo. Ya se veía venir...

VIVIR PARA VER. THEN AND NOW

La verdad es que me quería mantener al margen del tema, porqué como dice la máxima el mejor desprecio es no hacer aprecio. Pero tras haber escuchado hace un rato el inconmensurable "Badmotorfinger" y pensar en el Chris Cornell actual me apetece hacer algún comentario al respecto para demostrar el asco que me da este personaje. El Sr. Cornell puede hacer con su vida y carrera lo que le de la gana pero habiendo leido entrevistas con él uno no puede por menos que poner los puntos sobre las íes. Dice que este señor que lo que hace ahora es arriesgado ¿? y justifica sus payasadas apelando a su devoción por Marvin Gaye y compara "Scream" con obras de Queen y Pink Floyd. A ver Chris, así de claro, haz lo que te de la gana, pero no tomes al personal que te sigue desde 1990 por imbéciles. A tu lado Phil Collins casi parece un artista íntegro. La verdad es que nunca había presenciado la una decadencia así en un artista supuestamente digno. Da pena ver a este cuarentón con pocos aires danzarines intentando copar el mercado de Justin Timberlake y otras estrellas del urban, R&B o como demonios se llame Dicen que las comparaciones son odiosas pero en este caso afirmaría que son necesarias.




HUEVOS FRITOS PARA CENAR??


Ahí va mi humilde aportacion de portadas delirantes…aunque la verdad no es portada sino contraportada.Me refiero al lanzamiento en 1991 de los alemanes Helloween “Pink bubbles go ape”.Por aquellas fechas Helloween estaban hundidos en una serie de interminables disputas legales con su anterior discográfica, Noise Records, que duraron casi tres años. Los fallos judiciales resultaron ser nefastos para Helloween; la Justicia prohibió a Helloween no sólo vender discos y merchandising fuera de Europa, sino también actuar en público o incluso conceder entrevistas.Esto provocó que los fans de medio planeta les perdieran la pista durante muchos años. Los problemas de Ingo Schwichtenberg , el bateria original de la banda, con su esquizofrenia y su adicción al alcohol y a las drogas no hicieron más que empeorar las actuaciones en directo de Helloween.
Y es en medio de este ambiente cuando Helloween comienza la grabación de “Pink bubbles go ape”. A pesar de gastarse todo cuanto habían ganado con sus discos anteriores en la producción, el resultado fue horroroso. Chris Tsangarides no pudo hacer un trabajo peor en la mezcla y masterización del álbum, lo que precisamente no ayudó a sacar a Helloween del escollo que estaba atravesando en ese momento. La posterior decisión unilateral de Michael Kiske de cambiar el rumbo musical de Helloween en “Chameleon” hacia el rock-pop acabó llevando a Helloween a la más absoluta ruina en todos los sentidos…….hasta el exitoso “Master of the Rings”. Noise Records, en un acto de “compasión”, tomó la decisión de retirar los cargos contra Helloween, anulando así la sentencia judicial (“por el bien de la música” según ellos), lo que facilitó el ascenso de Helloween al estrellato una vez más.
Que tal unos huevos fritos para cenar???

martes, 12 de mayo de 2009

GILLANADAS X


¿Rencor entre Ritchie Blackmore e Ian Gillan? Todo falacias, montajes de la prensa para vender más números a costa de una amistad que a traves de los años ha demostrado ser inquebrantable. Para muestra un botón.

lunes, 11 de mayo de 2009

SUNSTORM "HOUSE OF DREAMS"


A.O.R de calidad hoy en día no es que haya mucho y menos obras capitales como las que nos entregaban en el pasado combos como Journey, Foreigner o Boston. El noventa por ciento de lo que publica la italiana Frontiers en otras épocas no hubiera pasado los controles mínimos de calidad que se le suponen a un A&R, pero mira por donde nos queda un diez por ciento al que vale la pena prestarle atención. En este pequeño porcentaje se encuentra la nueva entrega del proyecto Sunstorm que tiene como cabeza visible a nuestro bocazas favorito; el ínclito Joe Lynn Turner. Este "House Of Dreams" es una pequeña joya para los degustadores del A.O.R. más clásico con canciones logradas y todas las características inherentes al genero presentes en cada uno de los cortes. También es lógico que las cosas hayan salido bien, hablamos de perros viejos en el género como Jim Peterik que compone algunas de las canciones del álbum. No descubrirá nada nuevo a los seguidores del género pero es maná de los cielos para los que nos gusta beber de aguas melódicas. Lo triste es que nuevamente tienen que ser los veteranos los que tengan que poner las cosas en su sitio.

domingo, 10 de mayo de 2009

REPTILES PREHISTÓRICOS


Gracias a la audacia de mi compañero Da Muzz, en los últimos días he tenido la oportunidad de disfrutar de una serie de grabaciones realmente históricas que merodean por internet. Especialmente interesante la llamada ‘Silver Tongue’, un doble cd con dos de las primeras actuaciones de la historia de Whitesnake. La formación de la banda a principios de 1.978 era la de David Coverdale, Neil Murray al bajo, Micky Moody y Bernie Marsden a las guitarras, David Dowle a la batería, y Pete Solley a los teclados. Faltaba poco tiempo para que estos dos últimos miembros hicieran sitio primero a Jon Lord, y poco más tarde a Ian Paice. Faltaban también pocos meses antes de que la banda volviera a llenar recintos medianamente decentes. Y es que los primeros Whitesnake tuvieron que empezar de cero, actuando en pequeños clubs, ante unos pocos de cientos de fans de Deep Purple que buscaban un antídoto ante lo que les ofrecía la escena punk del momento. Una de las grabaciones de ‘Silver Tongue’, precisamente la que goza de un sonido realmente espectacular, es la que a la postre significó primera actuación del grupo fuera del Reino Unido, concretamente, en Alkmar, Holanda, el 17 de Junio de 1.978. Como introducción a un corto, pero sorprendente concierto con versiones inesperadas de ‘Lady Luck’ o ‘Lady Double Dealer’ de los Purple, junto a piezas inéditas para el público como ‘Steal Away’ o ‘Come On’ –no olvidemos que su EP Snakebite no vio la luz hasta finales de ese mismo mes-, podemos escuchar una corta entrevista a Coverdale. Con la perspectiva del tiempo, es inevitable esbozar una sonrisa al escuchar algunas de las respuestas del cantante, en ese momento absolutamente quemado y desgastado tras casi cuatro años de vorágine absoluta con Deep Purple. Nos ha parecido interesante transcribir el pequeño diálogo, un fascinante pedazo de historia de una etapa poco conocida por la mayoría de fans de Whitesnake. Un documento que comienza con nuestro hombre confesando a la reportera que antes de Purple, poco había hecho de remarcable..


D.C.: El primer L.P. que jamás grabé fue con Deep Purple, y la primera vez que toqué para una audiencia mayor de 300 personas, fue en Copenhagen con Purple.

¿Cómo fue el estar expuesto a audiencias tan grandes por primera vez?
D.C.: Fue muy bien, muy divertido, había muchas mujeres. En ese momento Deep Purple era un grupo de seres humanos muy majo.

¿En ese momento...? (La periodista intenta indagar, aunque sin éxito, ante las palabras de Coverdale)
D.C.: Sí, en ese momento.

¿Cuál fue el motivo de la separación de Deep Purple?
D.C.. Porque al final ya no era un grupo, éramos 5 egocéntricos luchando por los focos. Ya no estoy interesado en competir, estoy muy feliz con lo que soy capaz de hacer y de componer como persona y como intérprete, lo hago lo mejor que puedo. Entonces lo hice lo mejor que pude teniendo en cuenta las circunstancias, pero ahora ya no estoy por la labor de pelearme con nadie, tan sólo quiero hacer lo que hago, disfrutarlo, y divertirme con ello.

El año pasado iniciaste una carrera en solitario, y tuviste que comenzar de nuevo otra vez, tocando en pequeños locales. ¿Cómo te sientes al respecto?
D.C.: Mucho mejor.

¿Por qué?
D.C.. Porque ahora hay más comunicación en lugar de separación. Con Deep Purple tenía siempre conmigo a dos jodidos tipos enormes de seguridad, guardaespaldas que cuidaban de mi. Tocábamos en escenarios situados a 30 pies sobre la audiencia, no podía tocar a la audiencia, no podía hablar con el público a menos que me pusiera a gritar. Ahora, después de los conciertos, si alguien me trae alguna fotografía, se la firmo. Entonces no podía tener contacto con mi audiencia. Del concierto a la limusina, hacia el hotel, y de allí al aeropuerto. Nunca podías tener contacto con la gente para la que habías tocado.

¿Por qué has llamado a tu nuevo grupo Whitesnake?
D.C.: Porque mi tipo de música favorito es el Cock Rock. Whitesnake es una manera bonita de decir polla. Y yo no soy negro (risas).

En directo aún tocáis algunas de las canciones de Deep Purple.
D.C.: Claro, yo las escribí. (N.d.r. – El tono de Coverdale, aunque amable, es claramente el de alguien que está a la defensiva)

¿Lo hacéis para complacer a vuestro público o para vosotros?
D.C.: Lo hacemos porque no tenemos suficientes canciones nuevas. Deja que te explique algo. Mi deseo no es iniciar una carrera en solitario como tú puedes imaginar o como la compañía discográfica dice. Soy un cantante de grupo, nada más. Cuando dejé Purple, yo era un buen partido por el hecho de haber formado parte de la banda, y mucha gente quería parte del pastel. Esta gente no se conformó con su parte del pastel y se me negó la oportunidad de tocar en directo, así que durante los dos años posteriores a Deep Purple nunca pude tener un grupo. Compuse mis primeras canciones yo sólo al piano, con el sol entrando en la sala de estar. ¡Es imposible rockear en la sala de estar! Así que todas las canciones que escribí para mis discos en solitario eran del tipo –cantando- “Estoy tan jodidamente triste”.

¿Por qué no aceptaste ninguna oferta para unirte a otras bandas?
D.C.: La única oferta que llegué a considerar fue una de Jeff Beck, aunque al final no se materializó. Era un banda con Jeff Beck, Willy Weeks, Andy Newmark, y otro tipo llamado Jean Roussel. Dije que sí estaba interesado, pero al final todo se despedazó. Las únicas ofertas que tuve fueron las de Uriah Heep y Black Sabbath, toda esa basura (risas nerviosas de la reportera). No me malinterpretes, yo he tocado con la mejor basura del mundo, no sé si me explico.
(N.d.r.- De hecho, Coverdale llegó a ensayar en algunas ocasiones con Uriah Heep, por lo que imaginamos que en su momento sí llegó a considerar la oferta de Mick Box y compañía.)

¿Cuál ha sido el motivo por el que habéis grabado la canción de Bobby Bland (‘Ain’t No Love In The Heart Of The City’)?
D.C.: Antes de Navidad, cuando estábamos haciendo las pruebas para formar la banda, una de las canciones con las que hacíamos jam sessions era ‘Ain’t No Love In The Heart Of The City’. Nos salía tan bien que decidimos grabarla, es una canción muy bonita. La verdad es que no hay mucho amor en el corazón de la ciudad cuando estás solo. Copenhagen, Munich, Londres, da igual donde estés, es siempre lo mismo si estás solo. Cuando oyes decir, “Londres es la mejor ciudad, o Los Angeles... no lo son si te encuentras solo.

LUGOSI Y KARLOFF O LA CRUELDAD DE HOLLYWOOD


Dos de los más grandes y que acabaron sufriendo en sus propias carnes una práctica muy habitual en Hollywood; el olvido. Boris Karloff y Bela Lugosi dieron fama, dinero y prestigio a la productora Universal a principios de la década de los treinta y creando de paso el imperecedero mito del cine de Terror de la Universal. Pero eso no fue suficiente para un grupo de ejecutivos que prescindieron de ellos (al igual que hicieron con Bette Davis y tantos otros) cuando los monstruos bajaron su popularidad en favor de otros géneros.
En poco más de una década los protagonistas de este post pasaron de ser estrellas mimadas por la compañía a tener que buscar trabajo en producciones de serie B y aceptando cualquier papel para poder seguir trabajando. Tristemente ninguno de los dos consiguió ver en vida el posterior reconocimiento que su trabajo recibió, gracias a una nueva legión de fans fascinados por los mitos de Frankestein y Drácula y al resurgimiento del cine de Terror propiciado por la productora Hammer con la vuelta de tuerca que aplicaron a las criaturas clásicas.
La decadencia de Lugosi es conocida por todos, adicto a la morfina (por los dolores causados por una herida de guerra), olvidado por la industria y rodando películas con Ed Wood Jr. (¿el peor director de la historia? ni de coña). Al menos murió rodeado de gente que le admiraba, respetaba y seguía creyendo en su talento. La ocaso de Karloff no fue tan triste pero su estrella se marchitó a pasos agigantados y acabó sus días rodando films estrambóticos como "El Coleccionista de cadáveres" en países de habla hispana, aunque le dió tiempo a participar en la entrañable "La comedia de los horrores" junto a otros grandes como Peter Lorre o Vincent Price. Sirva este post de homenaje a todos ellos y de incentivo para volver a visionar "Drácula", "La novia de Frankenstein", "La momia" y esa obra cumbre que juntó a Bela y Boris llamada "El Cuervo". Como nota final destacar que al menos el insigne Cristopher Lee está disfrutando de los frutos de su trabajo en la vejez y sigue apareciendo en grandes producciones.

sábado, 9 de mayo de 2009

LUCINDA WILLIAMS EN ESPAÑA


Año potente para los que gustamos del buen rock americano de raíces. Ya podemos sumar a las fechas confirmadas de John Fogerty y Neil Young las de la gran Lucinda Williams. Por primera vez en los escenarios de este surrealista país podremos escuchar en directo algunas de la piezas de orfebrería que compones albumes inolvidables como "Car Wheels In a Gravel Road", "Essence" o "World Without Tears". Apuntaros bien las fechas anotadas más abajo. Como pregunta final ¿abarrotaran los fans de Springsteen y se darán de bofetadas por las entradas en estos próximos recitales de Lucinda y Fogerty? La respuesta mi amigo está en el aire.


16 julio Cartagena (L Mar De Musicas)
17 julio Zaragoza (Teatro Principal)
18 julio Madrid (Joy Eslava)
20 julio Barcelona (Apolo)

viernes, 8 de mayo de 2009

ASIA: ASTRA


Generalmente cuando se quiere recordar los grandes logros de Asia se recurre a su formación clásica; John Wetton, Steve Howe, Geoff Downes y Carl Palmer, y a sus dos primeros álbumes. Ningún problema, esos discos son dos grandes colecciones de canciones que combinan eficazmente grandes melodías A.O.R y oficio progresivo. Pero un servidor también se siente muy cercano a "Astra", tercer trabajo del combo en el que Steve Howe había dejado su sitio a Mandy Meier. Recomendable al cien por cien, una obra A.O.R. pata negra. Supongo que debido a la influencia del recién llegado que provenía de Krokus la vertiente progresiva se dejo un poco de lado concentrándose en la más melódica y enérgica. Un álbum delicioso lleno de tonadas pegajosas, guitarras recias y coloridos teclados. Y lo más importante grandes canciones con memorables estribillos; "Voice Of America" "Hard On Me", "Too Late" y uno de los más perfectos singles A.O.R. que se publicaron en esa década "Go". No estaría de más que la formación original del combo la interpretará en alguna de sus giras actuales. No desentonaría nada al lado de "Heat Of The Moment" o "Don´t Cry".


Videos tu.tv

jueves, 7 de mayo de 2009

MILES DAVIS: BITCHES BREW


No, no soy ni especialmente aficionado ni entendido en jazz. Pero si que puedo disfrutar de algunos clásicos del estilo tipo Coltrane , o de jazz rock fusión como lo practicado por Weather Report o Billy Cobham en su magistral "Spectrum". Y si hablamos de jazz rock hay que destacar y poner en el sitio que corresponde al magistral "Bitches Brew" del insigne Miles Davis. Se ve que lo de este hombre era romper moldes, ya lo hizo con los imprescindibles "Kind Of Blue" y "Birth Of The Cool" y volvió a repetir la jugada con este doble LP. Influenciado por Jimi Hendrix y con la ayuda de una banda en la que estaba John McLaughlin electrificó el jazz y le dió sentido y entidad propia a lo que se conoce como jazz rock. Un doble LP en con pocos temas de mucho minutaje en que el término progresivo coge su genuina acepción. Escuchad obras posteriores de King Crimson y os daréis cuenta como aplica enjundiosamente Robert Fripp muchas de las enseñanzas del malogrado Miles Davis. Este álbum está editado en un excelente doble compacto remasterizado con bonus y excelente libreto, y para los más compulsivos hay una bonita caja de cuatro CD´s que recogen las sesiones integras realizadas para la grabación de esta obra cumbre.

miércoles, 6 de mayo de 2009

HAYSEED DIXIE


Una de las bandas mas cachondas salidas de América pisa los escenarios barceloneses por primera vez (creo). Concretamente mañana día 7 de mayo en la [2] de Apolo. Me imagino que el jolgorio sobre las tablas será importante mientras escuchamos los clásicos de AC/DC, Kiss y demás temas del rock pasados por el turmix hillbilly. Aprovecho también el post para recomendar su última obra de estudio; "No Covers". Que como su propio título indica está compuesto de material propio y raya a un nivel bastante alto. Buenas canciones y saliéndose del rol que se les presupone, aparte del country se atreven con el rock clásico, rock & roll y hasta con el pop. El disco tiene ya un par de años pero sigue sonando muy fresco. Nos vemos mañana con los correspondientes sombreros y pantalones con peto.

martes, 5 de mayo de 2009

RELOJES, CHOCOLATE, VACAS Y HARD ROCK


Seguimos con portadas "memorables". De las más recientes también se lleva un galardón especial el "Made In Switzerland" de Gotthard. Banda helvética que practican hard rock vieja escuela y que recomiendo sin reservas a todos los lectores de este blog. Parece mentira que una banda con tanto gusto en las melodías y en los arreglos se decidieran a reivindicar su patria con una portada de tan mal gusto, el reverso tenebroso del chocolate Milka como poco. De todas maneras se aconseja su escucha al cien por cien, ideal para introducirse en la música de este combo suizo.

lunes, 4 de mayo de 2009

BANANAS: ¿PÚRPURA POLITIZADA?


Se inicia en este blog una nueva sección en la que se intentará mostrar al mundo las carátulas de álbumes más deleznables que se conozcan, e insto a los colaboradores de este blog a que aporten su granito de arena. Y enlazando con las infalibles gillanadas nada mejor para empezar esta singladura que obsequiar a los visitantes de este rincón con una portada salida de la imaginación de Mr. Gillan; la abominable foto escogida para ilustrar el álbum "Bananas" publicado por Deep Purple en 2003. Según Gillan quería representar el abuso que el mundo occidental hace de los recursos del tercer mundo ¿?. Creo que lo único que logró con tan infame título y carátula es ponerse al nivel de bodrios como Manu Chau, Color Humano o Radio Tarifa. Eso si, el contenido musical es muy bueno todo hay que decirlo.

domingo, 3 de mayo de 2009

VISIONS OF THE BEAST


Si ha habido un formato que nos ha dado incontables alegrías desde su aparición ese es el disco versátil digital. Excelente sonido, grandes recitales y recuperación de filmaciones que parecían haberse perdido para siempre en tenebrosos sótanos o archivos. Y si algún grupo ha sabido entender las ventajas de este formato esos han sido Iron Maiden. Desde la instauración del susodicho formato el combo que lidera Steve Harris se ha esforzado en presentarnos bonitos paquetes con cuidadísima imagen y sonido. Han publicado unos cuantos ya, pero hoy me apetece destacar ese magnífico "Visions Of The Beast" que aglutina todos los vídeo-clips filmados por la banda hasta el año 2001. No nos llamemos a engaño, los vídeos realizados para las canciones de la doncella de hierro no han sido nunca referentes en este medio, es más la mayoría son cutrones pero suplen sus carencias con su desparpajo y encanto. Es de verdad un placer sentarse en el sofá y ver de un tirón todas las mini películas realizadas para himnos como "Run To The Hills", "Flight Of Icarus" o "Can I Play With Madness". Visto todo con calma no es de extrañar que esta banda captará la atención de miles de adolescentes a principios de los ochenta con su música o con vídeos como el realizado para "The Number Of The Beast" donde la espectacular imagen del combo y Eddie se mezclaban con entrañables fragmentos de films de serie B o de la productora hammer; un cóctel irresistible para los que dejaban la niñez. Por estas razones y su exquisita presentación es uno de los DVD´s que el que suscribe estas lineas le tiene un afecto muy especial.


sábado, 2 de mayo de 2009

DESCARGANDO REFLEXIONES

A colación del excelente post sobre la nueva entrega discográfica de Black Sabbath (también me niego a llamarles Heaven & Hell) realizado por Ramshakle Man me han venido a la cabeza una serie de reflexiones que intentaré reburgitar de la manera más ordenada posible. De entrada reconocer que todavía no he escuchado el nuevo álbum de Iommi y compañía por lo cual no tengo opinión al respecto, pero a pesar de la reseña poco positiva pero muy ponderada realizada en este blog en Popular1 ha sido disco del mes y en Ruta 66 tiene una reseña bastante positiva, por lo cual tengo esperanzas de que sea un buen disco. Decía Ramshackle man que en muchas partes se han cepillado el disco sin piedad esgrimiendo cuatro tópicos más que manidos, creo que esto viene dado por la era en la que vivimos, en la que el personal descarga discos compulsivamente y no se realizan las debidas escuchas. Se realizan someras y aleatorias audiciones y si a la primera no engancha se olvida el producto y a por otra cosa. Se ha perdido el gusto de degustar los discos poco a poco. Hay álbumes básicos en mi vida como "Exile On Main Street" o "One Night At Budokan" que en su primera escucha me dejaron indiferente y fue a base de sucesivas escuchas donde entré de lleno en el trabajo, hoy en día esto es impensable para el descargador compulsivo. Indirectamente esto repercute en los conciertos donde el personal asistente pasa olímpicamente o se mosquea con el material nuevo que se presenta, pidiendo una y otra vez las canciones más típicas y tópicas del combo que actúa. Por poner un ejemplo en el último concierto de Whitesnake en Barcelona escuché a la salida gente mosqueada porqué se habían interpretado cinco temas del nuevo trabajo, cuando asistí a gira de presentación de "Slip Of The Tongue" si no recuerdo mal cayeron siete temas del susodicho álbum y no escuché a nadie protestar porqué eso era lo normal. Normalmente los músicos hacen giras para promocionar su último trabajo y es normal que le den cancha al nuevo material. Otra cosa que tenemos gracias al chorro de las descargas es el encarecimento brutal de los tickets de entrada a un recital, se venden muchos menos discos y los artistas quieren compensarlo en sus conciertos, así hemos llegado a extremos delirantes como el de Tom Waits en el que las entradas tenían precios de auténtico surrealismo. Ahora eso sí, las entradas agotadas, no se venden discos pero el personal paga lo que le pidan por el espectáculo. Una vez hablando con un conocido me decía que casi no compraba discos porqué le parecían caros, yo le conteste que lo suyo era pura incoherencia y que yo no comprendía como pagar más de 120€ no le parecía caro pero comprar sus discos, que la mayoría los puedes localizar por menos de diez euros eso si que estaba pasado de precio. Sin comentarios, y así está el patio y los conciertos cada día serán más caros porqué los precios no paran de subir y la peña agota las entradas en horas. En fin, vivir para ver. No se como acabará esto pero servidor seguirá escuchando con atención los discos que le interesan y negándose a entrar en el juego de ver a un artista a cualquier precio.

viernes, 1 de mayo de 2009

GILLANADAS IX


Si en el anterio episodio de nuestro particular serial, Ian Gillan nos mostraba su faceta más drag al lucir un hermoso manojo de bananas sobre la cabeza, en la entrega de hoy nuestro admirado vocalista nos muestra cómo combatir de forma efectiva los calores del veranito. Lo dicho, deléitense ustedes con la imagen. Esperamos que el shock sufrido compense la mala calidad de la instantánea.

HEAVEN AND HELL – THE DEVIL YOU KNOW



Tengo que reconocer que me he quedado totalmente estupefacto al leer algunos de los comentarios que se han escrito sobre el nuevo disco de Heaven And Hell. Por cierto, de ahora en adelante, me referiré a la banda como Black Sabbath, el nombre que deberían haber usado de no existir de por medio asuntos legales en los que no me apetece entrar. Un servidor no entiende demasiado de leyes, así que si en un mismo grupo encuentro a Iommi, Butler, Dio y Appice, automáticamente se convierten en Black Sabbath. Los de Mob Rules, Live Evil y Dehumanizer, la segunda formación más celebrada de los padres del Heavy Metal tal y como lo conocemos hoy en día. Decía que no he podido evitar sonrojarme al leer sandeces como: “Dio ya empieza a estar viejuno”, “el peor disco del grupo con diferencia” o “a Tony Iommi se le han secado las ideas”. Podemos estar de acuerdo en que The Devil You Know no es el disco que muchos esperábamos. En mi caso particular, la nueva obra del cuarteto era sin duda el álbum más esperado de los últimos años. Ni Chinese Democracy ni leches, pocas cosas pueden compararse al placer de tener entre las manos un disco con canciones nuevas de Black Sabbath, algo que no experimentábamos desde 1.995, desde la edición del poco afortunado Forbidden. Siempre defendí los años de Dio en el grupo todo lo que me permitieron los fanáticos de la etapa de Ozzy en la banda. En mi mundo nadie puede decirme que Heaven And Hell es peor disco que Master Of Reality, o que Mob Rules no tiene nada que hacer al lado de Sabotage. No señor. Por no repetirme demasiado, y por si hubiera alguien interesado en mi humilde opinión al respecto, les remito a revisar en este mismo blog la entrada “Heaven And Hell: El mejor disco de Black Sabbath (con perdón)”. Seguramente las grandes expectativas que tenía depositadas en este disco han sido excesivas y finalmente el producto entregado no ha estado a la altura de ellas. Partiendo de esta premisa, me urge decir también que, a pesar de habernos entregado el peor de sus discos con Ronnie Dio a la voz (el listón estaba muy alto, no nos engañemos), Black Sabbath me han demostrado que se siguen comiendo con patatas a la mayoría de nuevas bandas que les reconocen como una influencia básica. En The Devil You Know encontramos a bote pronto un par o tres de nuevos clásicos con todos los elementos que nos hicieron enamorar del grupo en primera instancia: espeluznantes solos de guitarra de ‘Fear’, monumentales riffs herederos directos de ‘Disturbing The Priest’ en ‘Bible Black’, o perfectas demostraciones de auténtico Doom marca de la casa como la inicial ‘Atom & Evil’. Seguramente, el elemento menos brillante del disco sea la contribución de Dio con sus melodías vocales. Muchas de ellas ya las hemos escuchado cientos de veces a lo largo de su carrera, de hecho, en muchos momentos da la impresión de estar escuchando más un disco de Dio que de Black Sabbath (especialmente en cortes menos acertados como ‘Turn Of The Screw’ o ‘Neverwhere’, candidatos al más triste de los olvidos desde su misma concepción). Por primera vez los riffs e ideas de Iommi y Butler han quedado supeditados y eclipsados por la poca inspiración del pequeño vocalista. En ‘Rock And Roll Angel’ –no lo neguemos, un tema que no tendría cabida ni en los peores momentos de Dio en solitario-, Iommi salva la papeleta con uno de sus mejores solos en años, y durante la rápida ‘Eating The Cannibals’, de nuevo el zurdo guitarrista nos trae a la memoria los bonitos recuerdos de ‘Digital Bitch’ o ‘Turn Up The Night’. Dicho lo dicho, me parece una soberana idiotez cuestionar la validez y capacidad de los elementos del grupo, y mucho más hacerlo con argumentos absurdos como la edad. Por supuesto que Dio está mayor, esa es una realidad innegable, todos cumplimos años, incluidos los que le tachan de “viejuno” (cómo odio esta palabreja!!). Dudar de su capacidad vocal, o de la de Iommi como creador de nuevos riffs clásicos, es algo tan absurdo como las dudas que sembraron algunos al cuestionar la validez del último Elvis, o la del Sinatra que visitó Barcelona en el ocaso de su carrera y de su existencia. Un poco de respeto, hombre. Estos tipos crearon “Iron Man”, “Symptom Of The Universe”, “Children Of The Sea”, “Holy Diver”, “Stargazer”, “Paranoid”, “Hole In The Sky”, “The Last In Line”, “Zero The Hero”, “Rainbow In The Dark”, “Gates Of Babylon”, “Man On The Silver Mountain”, “Neon Knights” o “Children Of The Grave”, por el amor de Dios. Todos los que amamos mínimamente este tipo de música, deberíamos sentirnos afortunados por el simple hecho de poder seguir escuchando sus nuevas creaciones. Estamos hablando de individuos que podrían vivir del cuento sin ningún tipo de preocupaciones, hombres mayores que quizás deberían quedarse en sus casas a vivir de las rentas que les siguen proporcionando sus obras pretéritas. Por el contrario, mientra podemos seguir disfrutando de su arte y de su presencia en nuestros escenarios, lo único que hacen muchos es quejarse y soltar por sus bocazas tontería tras tontería. Aunque claro, seguramente estos individuos que echan pestes sobre The Devil You Know tras una miserable escucha -en los altavoces de su ordenador, por supuesto- o sobre el estado creativo de Iommi, están demasiado ocupados loando las virtudes de lo nuevo de Mastodon o Trivium, lo último de lo último en creatividad. Qué país, señores, qué país.

GILLANADAS VIII


¿Homenaje a Carmen Miranda? ¿Al malogrado Freddie Mercury del video-clip de "I´m Going Slightly Mad"?. Ni una cosa ni la otra. Foto tomada en la fiesta de presentación del penúltimo álbum de Deep Purple "Bananas", y es que el bueno de Ian cuando se implica en algo se mete hasta las cejas. Salva de cañones en su honor y por hacer de este blog un sitio más alegre y dicharachero.