DRIVE

A raíz de un apunte dejado por el colega sammy tylerose en los comentarios de mi entrada sobre las mejores películas del 2011, me di cuenta de que me había dejado una muy buena película en mi listado, por una razón de simple despiste. Y que mejor manera de subsanar la errata que dedicándole una entrada al film. Se trata de Drive, proyectada en el último festival de Sitges y estrenada poco después en el circuito comercial. No es una obra maestra, pero si que es una muy buena película que bebe de diversas fuentes pero sin estancarse en ninguna. Había escuchado, antes de verla, que era la Taxi Driver de la nueva centuria, y concomitancias las hay. El personaje interpretado sobriamente por Ryan Gossling tiene cosas en común con el entrañable Travis Bickle; rol solitario y capaz de provocar una catarsis hemoglobínica en pos de un acto de redención. Pero también del film noir y de la manera de filmar de los añorados ochenta. Un thriller que atrapa por sus dosis de tensión contenida, por un guión sólido como una roca lleno de sorprendentes requiebros y por unas interpretaciones inmaculadas y creíbles. Posible y futuro clásico de culto, además creo que aún está de estreno, aprovechad antes de que os la cuenten.

LO MEJOR DEL 2011 (Y XI)

No, hoy no va a haber reseña del fenomenal concierto que ofrecieron ayer los irlandeses The Answer. Por la sencilla razón de que la voy a realizar para la revista Ruta 66, en consecuencia no me apetece hacer algo por partida doble, ni poner un texto antes de que haya visto la luz en versión impresa.  Hoy vamos a finiquitar los listados de lo mejor del año pasado, y se finaliza con las mejores películas que servidor ha podido ver en estos últimos doce meses. Aviso; los que busquéis cine de autor iraní no hace falta que miréis la lista.

Super 8

J.J. Abrams nos devuelve la infancia. Espléndido homenaje en clave de ciencia-ficción a una era donde reinaban entre otros los entrañables Goonies.

El Origen Del Planeta De Los Simios

Tras el desastre perpetrado por Tim Burton la saga simia se puede volver a tomar en serio. A medio camino entre el remake y la precuela pero brillante a todas luces.

El Último Exorcismo 

Fehaciente prueba de que la filmación subjetiva puede funcionar ocasionalmente. Terror en estado puro, lástima que su final empaña un poco una cinta inmaculada.

 El Avispón Verde

Trepidante y delirante adaptación del héroe radiofónico. Todo funciona estupendamente destacando como siempre a un enorme Christoph Waltz.

X-Men Primera Generación

Parece que al fin Marvel se pone las pilas en sus adaptaciones cinematográficas, entregando la mejor y más profunda película de la serie mutante.

The Caller

Estrenada en el festival de Sitges. Terror que bebe sin miramientos de muchas fuentes clásicas y que sorprende y atenaza. Sin necesidad de modernas tecnologías.

En El Centro De La Tormenta

Bertrand Tavernier da una lección de cinefilia americana con visión europea. Tommy Lee Jones, Nueva Orleans y algunos fantasmas nos entretienen a base de bien.

Capitán América: El Primer Vengador

Fiel como pocas al espíritu en viñetas del entrañable capi. Otra muestra más de que algo está cambiando en la sección fílmica de Marvel.

Como siempre si clickáis encima de los títulos de algunas de las películas tendréis acceso a reseñas más detalladas.

IT CAME FROM OUTER SPACE

Siempre es necesario volver de cuando en cuando al cine de ciencia-ficción de los años cincuenta. Para recordar una forma de hacer cine que no volverá y recuperar una parte de la historia de la humanidad que parece quedar muy lejana, aquella en que la guerra fría era una realidad palpable y este tipo de películas no hacían otra cosa que recordárselo a los espectadores, ese miedo a la invasión soviética que venía representada en forma de alienigenas. Uno de los títulos más recordados es esta It Came Fron Outer Space de 1953, traducida aquí como Llegó Del Mas Allá. Muchos podéis pensar que se trata de otro de esos entrañables artefactos de serie B, nada más lejos de la realidad, este film fue producido por Universal Pictures y fue la primera película de la historia estrenada en la tan en boga hoy en día 3D. El argumento es bien sencillo; una nave espacial aterriza en nuestro planeta y tienen que arreglarla para marchar de nuevo, pero la humanidad no parece creerse las buenas intenciones de los marcianos. No es difícil leer entre lineas las alegorías sobre el racismo y sobre el miedo irracional a lo desconocido que podría ser el pueblo ruso. Sencilla pero bien llevada, con actuaciones solventes, un guión efectivo y una dirección sobria hacen que este artefacto sea muy recomendable. Un clásico en toda regla que a pesar del tiempo transcurrido desde su estreno y de sus inocentes efectos especiales aún vale la pena volver a visionarla una vez más, y para recordar un tipo de cine que tenía lo que hoy se echa tanto de menos; magia.

UN MÉTODO PELIGROSO

Ya está en todas las salas de proyección comercial la nueva película del maestro canadiense David Cronenberg, y tras haber hecho el obligatorio visionado, ya que el cineasta estaba en muy buena racha, se puede afirmar sin ningún tipo de rubor que lo único que tiene de peligroso es ir a verla. Menudo despropósito ha perpetrado Cronenberg, nos ha intentado vender una aproximación a la relación entre los dos padres de la psicología moderna; Freud y Jung y lo único que ha conseguido es un melodrama de todo a cien que se basa por completo en el lío sentimental que tuvieron el susodicho Dr. Jung con su paciente Sabina Spielren, que posteriormente se convertirá también en una reputada psicóloga. No hay profundidad, los diálogos son espesos y vacíos, la dirección torpe, algunas situaciones no vienen a cuento por surrealistas y como guinda tenemos la insoportable sobreactuación de la insípida Keira Kinghtley que deja a Gary Oldman como un ser inexpresivo. Sólo salvaremos al siempre solvente Vigo Mortenssen que ofrece una correcta lectura del Dr. Freud aunque insuficiente para salvar un film que aburre hasta a las ovejas. No pasa nada, Cronenberg nos ha dado muchas alegrías y esperamos que esto sólo sea un tropezón, aunque esta claro que el drama histórico no es lo suyo.

THE THING (LA COSA)

Se acabó lo que se daba, aquí termina el repaso por las películas que servidor ha podido ver en Sitges 2011. Ayer y ya en la ceremonia de clausura se proyectó la esperada precuela de La Cosa de John Carpenter. Aunque más que un origen se trata de un remake en toda regla (de hecho lleva el mismo nombre que la original), ya que los acontecimientos son los mismos aunque si que nos explican de donde ha llegado el indefinido ente. La misma base en la antártida y Kurt Russell sustituido por Mary Elisabeth Winstead, que en tiempos de igualdad de géneros toma el protagonismo y presenta una versión mona y actualizada de la teniente Ripley de Alien. De todas maneras sin lograr el ambiente y horror del original la película entretiene por sus dosis de tensión controlada y sus currados efectos especiales. No aporta nada nuevo, pero al menos no avergüenza a los seguidores de la obra de John Carpenter, cosa meritoria en una época de remakes burdos como fue la reciente actualización de Pesadilla En Elm Street. Los que estéis interesados informaros que en breve se estrenará en el circuito comercial. Volveremos el año que viene al escaparate definitivo del cine de terror y fantástico.

EL PÁRAMO

Acabándose está ya el 44 festival de cine fantástico de Sitges y alguna película más ha caído. Esta vez se trata de la producción colombiana El Páramo, un largometraje que combina con acierto el cine bélico y el de terror psicológico. No es un film imprescindible, de hecho a veces el director quiere abusar tanto de la tensión que provoca cierto tedio, pero dejando de lado este detalle se deja ver con agrado y tiene un final que sorprende y deja al espectador con la duda de si lo vivido es una demencia colectiva o realmente hay algo sobrenatural por en medio. Lo dicho, no pasará a la historia pero se deja ver con gusto por su naturalidad, buena dirección de actores y tétrica fotografía.

APOLLO 18

Habían ganas de ver este film hecho en USA pero con dirección española, las comparaciones con Alien eran numerosas y uno que siente devoción por el terror espacial se procuró una entrada para ver este estreno del festival. Y que queréis que os diga, me he quedado bastante indiferente, comparar esta normalita película con la obra maestra de Ridley Scott me parece un absoluto dislate. De entrada está realizada como un mockumentary ( o falso documental) con ese estilo subjetivo tan en boga que salvo honrosas excepciones no me acaba de hacer el peso. Y por lo demás poca cosa, salvo algunos momentos de tensión muy bien logrados el metraje transcurre sin pena ni gloria, sin imágenes espectaculares y con mucha detalles copiados de los acontecimientos sucedidos en el entrañable Nostromo. Tampoco es un film deleznable pero a servidor le ha provocado la absoluta indiferencia, que a veces puede ser la más temible de las reacciones. En fin, una oportunidad perdida de ahondar por parte del director madrileño en un terreno tan fascinante como el terror que viene del espacio exterior.

THE UNJUST

Nueva entrega de Seung-Wan Ryoo, el realizador surcoreano que quizás entiende mejor que nadie el espíritu del cine de acción sin dejar de lado el compromiso social ni la dirección con fundamento y de calidad. The Unjust es su último largometraje y que se ha presentado en el festival de Sitges, una película que retrata de manera fehaciente la corrupción policial, jurídica y política que hay en su país natal. Siendo el hilo conductor del film la lucha personal entre un fiscal y un comisario de policía que ven desatada una vorágine de acontecimientos a raíz de unos asesinatos de niñas en Seul. Trepidante, inteligente, con un guión que no permite la más mínima distracción y con una avalancha dialéctica al más puro estilo Luna Nueva, todo llevado con pulso firme hasta la última media hora de metraje, entonces todo lo bueno logrado se derrumba cual castillo de naipes. El nervio fílmico desparece y el director ralentiza el tempo de forma incomprensible, parece querer dar una serie de explicaciones que no son necesarias o que al menos el espectador puede pasar sin ellas, es decir acaba de una forma demasiado convencional para un film de raíz histriónica. Una lastima para un largometraje que merecía mejores acabados. Eso si, imprescindible verlo en versión original, como todos los films orientales, por la particular forma de acometer los diálogos de los coreanos y por lo físico también de sus interpretaciones.

THE CALLER

Hay algo que nunca falla, y es dejar de lado zarandajas y moderneces. Esto viene a cuento para hablar de este largometraje norteamericano pero llevado a cabo gracias a dinero puertorriqueño, un muy recomendable film de corte absolutamente clásico donde el terror no está en lo que se ve, sino en lo que se sugiere o plantea. La historia es bien sencilla, una chica separada de su marido (con violencia de género por en medio) se traslada a un apartamento y ahí empieza a recibir una serie de llamadas telefónicas que no parecen venir precisamente del presente. En base a esta premisa la trama coge una serie de sorprendentes requiebros que mantienen al posible espectador embelesado ante la pantalla. Todo ello rodado con pulso firme, sin aspavientos y lo mejor de todo; sin pretensiones. La naturalidad del guión y la fluidez fílmica muestran sin reparos las claras influencias, Polanski, el Bava más clásico, El Sexto Sentido y un final basado ligeramente en un famoso relato del maestro Edgar Allan poe. Un cóctel de ingredientes añejos pero que funciona estupendamente, lejos de pesadas y modernas filmaciones subjetivas o hechas con móviles de última generación.

THE MURDER FARM

Inauguramos nuestro paseo por el festival de Sitges. No esperéis un repaso exhaustivo a toda la programación, de hecho servidor se acercará a visionar algunos films que le llamen la atención y poca cosa más. El primer largometraje en caer ha sido la coproducción suizo germana The Murder Farm. Un intento en recrear los postulados de La Cinta Blanca de Michael Haneke, pero quitándole la parsimonia fílmica indie que caracteriza las producciones europeas. El film parte de una novela de Andrea Maria Schenkel, que a su vez está basada en una historia real acaecida en la Alemania profunda; El asesinato de una familia entera en una granja. Un buen punto de partida, desde luego, al más puro estilo Puerto Hurraco, pero parece que la realizadora Bettina Oberli se queda a medias y peca de falta de empuje para llevarlo todo a buen puerto. Se queda todo en un thriller rural entretenido, con unos personajes bien dibujados, una fotografía espléndida pero falta de la intensidad que requiere un tema tan truculento. Aún así es recomendable para hacerse una idea de la superstición, incultura y sexualidad irracional (con unos pueblerinos que parecen salidos de la genial Perros De Paja) que domina a algunas gentes de centroeuropa. En resumidas cuentas un largometraje correcto pero que no acaba de estar bien resuelto por falta de nervio y cierto espesor narrativo, en algunos momentos de clara influencia Tarantino, todo sea dicho.

SITGES 2011

Llevo unos días alejado de la blogosfera por razones que no vienen al caso (entre ellas un viaje) pero parece que todo vuelve a la normalidad. Y nada mejor para retomar el teclado que hacer un poco de publicidad gratuita al estupendo festival de cine fantástico y de terror de la costera población de Sitges. Mucho y bueno es lo que pasará por las pantallas y servidor acudirá a algunas proyecciones, de las cuales rendiré cuentas en este espacio. Sin dejar de lado el estupendo mercado que se monta para que podamos dilapidar más dinero en DVD's, camisetas y variados artilugios terroríficos. Nos vemos por la playa.

2000 MANIACS

Hoy toca hablar un poco de cine, y para desintoxicarnos un poco del aluvión mediático sobre él último estreno del sobrevaloradísimo Pedro Almodovar y su supuesta incursión en el género terror/fantástico nada mejor que recuperar esta entrañable película de 1964. Dirigida por el singular Herschell Gordon Lewis y que dio el pistoletazo de salida a lo que hoy en día se define como "gore". Una delirante historia de venganzas en un pueblecito sureño habitado por 2000 encantadores palurdos sedientos de sangre. Los más morbosos no esperéis un baño de sangre, esto es una película de hace muchos años, hay cierta locura hemoglobínica pero todo a un nivel bastante soportable para un espectador actual. Eso si imprescindible por la  demencia desatada que muestran sus protagonistas y por el desparpajo y falta de pretensiones del director, que con un presupuesto ajustadísimo logra un film entretenidísimo y que sería posterior influencia para Peter Jackson o para la insanidad que mostró Wes Craven en Las Colinas Tienen Ojos o La Última Casa a La Izquierda  por poner algunos ejemplos. Imprescindible para los seguidores del terror clásico y de la serie B, ya que muchas de las maneras mostradas por el realizador a servidor le retraen a tan glorioso género. Por último decir que corre alguna edición en DVD a bastante buen precio, en edición muy simple pero suficiente para llevarse a casa un clásico a precio irrisorio.

THOR: THE POWERHEAD

Nueva translación a la pantalla de superhéroe del imaginario Marvel. Parece que a este paso no habrá personaje que se quede sin su correspondiente película por muy secundario que sea. Ahora le ha tocado el turno a la particular revisión en viñetas que el genio Stan Lee hizo del inmortal dios del trueno. Y servidor no las tenía todas consigo, visto el deplorable nivel que alguno de los films recientes sobre el temario superheroico estaban alcanzando, sirvan como perfectos botones de muestra las tremebundas Spiderman 3 o Iron Man 2. Con este panorama es normal que uno se dirija sin ningún tipo de expectativa a la sala de proyección, y eso es lo bueno de no esperar nada, el listón está puesto tan bajo que al mínimo atisbo de calidad uno se siente reconfortado. Y eso es lo que sucede con está cinta sobre las aventuras y desventuras del hijo de Odín, no es un film especialmente memorable pero no indigna y entretiene bastante. La realización del shakesperiano Kenneth Branagh es más que correcta pero nos muestra a unos personajes bastante planos y que no empatizan con el espectador, cierto es que hay algunas situaciones absurdas que dan pie a la hilaridad, pero los pocos registros del protagonista Chris Hemsworth dan al traste con escenas que en manos de un interprete más sobrado hubieran ganado en profundidad. El único personaje con ciertos matices es el villano Loki, pero no especialmente bien enfocados, ya que se le da carácter atormentado a un ser que siempre ha sido pura malicia. Por lo demás no pondré pegas, la cinta transcurre con naturalidad, sin tropiezos, da las dosis de acción necesarias e incluso el últimamente insoportable Anthony Hopkins resulta comedido en su rol de Odín. 

Un buen divertimento palomitero que se olvida tan rápido como se ve y que si hacemos una comparación la pondríamos al nivel de las recientes revisiones de Los 4 Fantásticos, correctos y solubles entretenimientos para toda la familia pero sin ápice de profundidad. Hasta nueva orden me seguiré recreando con los dos primeros Superman de Christopher Reeve y los Batman de Tim Burton y Christopher Nolan, para un servidor auténticos pináculos del cine de superhéroes.

 

TRIBUTO A SIDNEY LUMET

Otro que se nos va. La verdad es que últimamente estoy redactando demasiados posts referentes a obituarios y lo cierto es que no es un plato de gusto, pero así son las cosas, el inexorable paso del tiempo se está llevando por delante a mucha gente que pensábamos que estarían siempre entre nosotros. Desafortunadamente ahora le ha tocado la vez al gran Sidney Lumet a la edad de 86 años. Al menos sirve de consuelo que estaba ya en una edad avanzada y que tuvo toda una vida para plasmar su talento tras las cámaras. Se puede afirmar que con su desaparición desaparece prácticamente el último director de maneras clásicas que nos quedaba, sólo Clint Eastwood sigue en la brecha trabajando en esa linea de clasicismo sin adulteraciones.

La carrera de Lumet fue extensa y prolífica, aunque servidor siempre se decantará por las demoledoras 12 Hombres Sin Piedad y Tarde De Perros. La primera con un reparto espectacular en estado de gracia, donde las emociones y la estulticia humana llevan ellas solitas el clímax. Mientras que la segunda con Al Pacino y John Cazale logra con un linea argumental aparentemente sencilla un torrente de situaciones impagables llevadas al paroxismo por dos actores en la cima de su talento.

Se echará de menos a Sidney Lumet ya que a pesar de su edad seguía sorprendiéndonos, sin ir más lejos su última entrega; Antes De Que El Diablo Sepa Que Has Muerto era un peliculón en toda regla, un drama fraternal de cortes shakesperianos que nos mostraba que el octogenario realizador no se había vuelto blando a pesar de su edad. Descanse en paz Sr. Lumet, su paso por este planeta ha sido fascinante y absolutamente provechoso.

HASTA SIEMPRE CLEOPATRA

La triste noticia no es nueva, pero desde luego que no se puede pasar por alto. Aunque uno a veces no dispone del tiempo necesario para sentarse distendidamente delante del PC no puede ni por un momento dejar pasar un óbito de semejante figura. Se ha ido una de las más grandes, así de claro. Su desaparición deja al Hollywood más clásico tocado de muerte, donde su belleza y talento interpretativo brillaron con luz propia. Podría divagar durante muchas lineas sobre los clásicos inconmensurables en los que participó o sobre su azarosa vida, prefiero unas lineas escuetas, creo que jamás podría hacerle justicia sólo con palabras. En estos momentos prefiero recordarle como la Cleopatra más perfecta que ha existido, y entre otras volver a revisionar la película del mismo título que hizo con su pareja, ese coloso de la interpretación que fue Richard Burton. Hasta siempre Cleopatra.

SE QUE FUISTE TÚ FREDO

Por unos pocos días se me ha pasado la fecha, pero no es razón para que desde este humilde rincón nose homenajee al gran John Cazale que falleció el doce de marzo de 1978 a la edad de 42 años víctima de un cáncer de pulmón. Famoso y recordado especialmente por haber dado vida en la gran pantalla al pobre diablo que es Fredo Corleone. Su talento como actor hizo del segundo hijo de Vito Corleone uno de los personajes más ricos ricos de la historia del séptimo arte, de cortes casi shakesperianos. Aunque todos seamos más fans de Don Vito, Michael o Sonny, hay que reconocer que como personaje complejo Fredo se lleva la palma. Pero no sólo de El Padrino vivió John Cazale, también aportó su talento a films tan imprescindibles como Tarde De Perros, La Conversación y El Cazador. Casi nada...Carrera truncada demasiado pronto pero que dejó cinco películas como cinco soles.

Para siempre en nuestra memoria cinéfila John Cazale

JANE RUSSEL

Poco a poco el Hollywood clásico va desapareciendo, algo normal ya que el paso del tiempo es inexorable y las grandes estrellas aunque dejan un legado inmortal no lo es su presencia física. Así que tristemente hace escasamente poco más de un día nos dejaba Jane Russell a la edad de 89 años. No, no fue una actriz de un talento interpretativo desbordante, aunque si que mostró buenos recursos ante las cámaras, pero su turgente figura le colocó como uno de los sex-symbols de su era. Tampoco fue una intérprete que se prodigara en exceso, pero su papel junto a Marilyn Monroe en Los Caballeros Las Prefieren Rubias (1953) la sitúa en el panteón del séptimo arte por méritos propios. También es recomendable su interpretación en El Forajido (1943), dirigida por su "mecenas" Howard Hughes, donde su exuberante figura da mucho calor a un correcto western sobre las correrías de Billy The Kid. Sirvan esta lineas de humilde homenaje, hasta siempre Jane

A LA CAZA (CRUISING)

Por fin es viernes que dicen, el ansiado fin de semana aguarda y que mejor manera de celebrarlo que saliendo de marcha, ¿Y por que no? Yendo con el gran Al Pacino por sórdidos bares leather, llenos de osos con pañuelos multicolor colgando del bolsillo trasero del ceñido pantalón.
Honestamente, no seré yo quien se apunte a semejante juerga, pero es un buen momento para reivindicar una de las grandes interpretaciones de Al Pacino, un poco tapada por la sombra de dos monstruos como Michael Corleone o Tony Montana.
Quede claro que esta Cruising no tiene el nivel de órdago de las películas protagonizadas por los personajes citados dos lineas más arriba, pero se antoja como otro de los grandes papeles del intérprete italoamericano. Dirigida por William Friedkin (El Exorcista, French Commection) Pacino da vida a un policía que se ha de infiltrar en el ambiente homo hardcoriano para desenmascarar a un psyco que está causando estragos entre esta comunidad. Dirigida con mano firme y sin florituras, con un guión sencillo pero muy resultón y una comedida y creíble interpretación de Al Pacino dan lugar a un film que sigue funcionando a tope a día de hoy. Quizás alguien levantará la mano alegando la sordidez de mucha parte del metraje, pero ahí radica parte de su secreto, un tema tan explicito no puede ser tratado a medias tintas o sólo con alusiones, y los que seáis fans de Rob Halford estaréis esperando su entrada triunfal en la pantalla (cosa que por supuesto no sucede). A la altura de esta obra está su banda sonora, llena de rock & roll y punk de calité, con la aportación entre otros de Willie DeVille y John Hiatt
Sirva también este post para recordar la figura de otro de los protagonistas de esta cinta, el gran Paul Sorvino, que da solera a cualquier film por el que asome su oronda cara, sirva como muestra la demoledora Uno De Los Nuestros.
Si no la habéis visto, habría que poner remedio y salir a la caza de esta imprescindible film de 1980.

TETRO: UN TROPEZÓN LO TIENE CUALQUIERA

Lo reconozco, soy un devoto de Francis Ford Coppola. Me trago todo lo que haga como realizador y la trilogía del Padrino (especialmente las dos primeras partes) está en los más alto de mis preferencias en el séptimo arte. Por eso no dudé ni un momento en desplazarme al cine cuando se estrenó Tetro. Y bien, después de vista y asimilada puedo afirmar que esta vez el viejo Francis me ha decepcionado un poco. No, no es una mala película, de entrada el reparto brilla con luz propia, con interpretaciones soberbias pero comedidas a la vez, la realización es sólida y con oficio y la idea de rodar en blanco y negro con los flashbacks en color me parece inteligente e sorpresiva, pero es a la hora de desarrollar el guión donde el maestro falla. La trama es harto interesante pero se embarulla queriendo dar demasiadas explicaciones que no son necesarias, logrando al final que el espectador se sienta confundido. Con menos metraje y mucha menos guarnición estaríamos hablando de una película más que notable. Y ese final Shakesperiano que tan buenos resultados le dio en la saga de la familia Corleone aquí no pasa de solución forzada e innecesaria.
Me imagino que a estas alturas Coppola no tiene que dar explicaciones a nadie y que hace lo que le da la real gana, pero esta vez ha pecado un poco de soberbia, pero con semejante pasado a sus espaldas no voy a ser yo el que le señale con el dedo acusador. Por cierto, la crítica en general se ha tirado como alimañas encima de este film, no creo que haya que ser tan visceral con una película correcta que simplemente tiene algunos fallos de planteamiento. Estoy convencido que si Tetro estuviera dirigida por un director indie como el plasta de Lars Von Trier la crítica la consideraría el film del año.

LOCOS Y TIAS BUENAS!!

Como estoy un poco hasta la polla de decesos y obituarios hoy me voy a dedicar al entertainment puro y duro recordando un film de los que ya no se hacen.De los que disfrutamos en la butaca hace ya un porron de años: “LOS LOCOS DE CANNONBALL”.

“Los locos de Cannonball” fue una película de 1981 que se inspiró en la conocida “road movies” de los años setenta “The Gumball Rally”, intentando introducir algunas novedades en este género tan trillado con un más que modesto éxito. Asimismo estaba inspirada en hechos reales; la revista Car & Driver organizó entre 1973 y 1978 una serie de carreras de costa a costa de los Estados Unidos, algo que impulsó al director Hal Needham a embarcarse en esta aventura.
Ahi estaban Burt Reynolds, Roger Moore, Farrah Fawcett, Dean Martin, Peter Fonda, Sammy Davis Jr, Jackie Chan, mas un buen elenco de actores para una película no demasiado buena, , pero que hizo las delicias de los amantes de los chistes fáciles, la velocidad y los destrozos de coches.
Un grupo de personas, cada cual más “especial” participa en una de las carreras de coches más alocadas de la historia. Todos ellos compitiendo para conseguir una más que sustanciosa suma de dinero ofrecida por un jeque árabe y poniendo a punto sus coches con los ingenios más audaces que se hayan podido crear.
¿Fácil? No, para nada. En esta carrera todo está permitido y durante toda la película, los participantes intentarán arruinar los coches de sus contrincantes usando las argucias más insospechadas que podamos imaginar, y si a todo ello le sumamos la presencia de chicas sexys, ladrones, jefes moteros (y su banda) y algún que otro ingeniero japonés… la cosa está muy reñida.
Entre los participantes se encuentran J.J. McClure y su amigo Victor Prinzim que van en una ambulancia preparada, Seymour Goldfarb Jr, (Roger Moore) quien se cree James Bond conduciendo el Aston Martin DB5 y quien hace continuamente guiños al personaje creado por Ian Flemming y Morris Fenderbaum y Jamie Blake, dos curas disfrazados que van como alma que lleva el diablo en un Ferrari rojo
Además de los continuos sabotajes realizados entre los propios participantes, todos deberán sortear a la policía, que ha sido advertida sobre la carrera y tiene una serie de trampas preparadas para apresar a los infractores. ¿Cómo terminará la película? ¿Quién se llevará el premio? Humor fácil, destrozos de coches y velocidad se dan cita en esta película de 1981.
Después de varias décadas como especialista y coordinador de dobles de acción, Hal Needham daba el salto a labores de dirección a mediados de la década de los setenta con la comedia de carretera Los caraduras (Smokey and the Bandit, 1977). Dicha oportunidad se le había presentado tras mostrarle un primer tratamiento del guión a su amigo Burt Reynolds, quien con su protagonismo aseguró el interés de las productoras por financiar un proyecto que acabaría cosechando un gran éxito de público. Dicho éxito motivaría el que las carreras profesionales de Needham y Reynolds discurrieran parejas durante largo tiempo, casi siempre por medio de filmes de características muy similares a las de su primer trabajo conjunto.
Si en Los caraduras la trama giraba en torno a la persecución a la que, por parte de un sheriff, era sometido un camionero encargado de entregar una mercancía en un tiempo limite, en este caso el argumento de la cinta se articula alrededor de los diferentes participantes de una carrera automovilística ilegal llamada “Cannonball”. Este esquema de “road-movie competitiva” ya había sido utilizado con anterioridad en diversos films, algunos tan estimables como La carrera del siglo (The Great Race, 1965) de Blake Edwards, o la serie animada que inspirara éste, Los autos locos (Wicky Races; 1968-1970) de Hanna-Barbera.

Lo dicho sube a un par de tias buenas en un 911 convertible y dale zapatilla!
Down the sadness! Up the happiness!